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Panorámica de la fotografía desde 1980 a nuestros días

Por Leyla, publicado el 05/03/2018 Blog > Arte y ocio > Fotografía > Fotografía Contemporánea: Corrientes y Artistas

El Centro Pompidou, la Casa europea de la fotografía, Museo Reina Sofía, galerías de arte, exposiciones temporales… el paisaje artístico nacional e internacional acoge la fotografía contemporánea con los brazos abiertos.

De la analógica a la digital, de los montajes fotográficos a las fotos abstractas, muchos artistas han utilizado y siguen utilizando la fotografía como medio de expresión y, por tanto, de creación.

A principios de la década de 1980 los fotógrafos empezaron a alejarse de la fotografía humanista de Robert Doisneau y de las técnicas tradicionales con el objetivo de crear una obra más personal.

Arte fotográfico, grandes fotografías, vanguardistas, museos de arte moderno… descubre algunos de los aspectos principales de la fotografía contemporánea.

¿Quieres saberlo todo sobre el arte de la fotografía?

¿Qué es la fotografía contemporánea?

Las corrientes artísticas son a veces difíciles de definir y de entender. Los límites entre dos corrientes o movimientos diferentes suelen estar un tanto borrosos.

¿Por qué? Pues porque la transición de una corriente a otra no se suele hacer de golpe.

Hace falta tiempo para que el método artístico evolucione. Además, suele tratarse de corrientes definidas por historiadores de arte, y no por los propios artistas.

Y quien habla de historiadores de arte, por supuesto, habla de fechas.

De hecho, las fechas son las que definen la fotografía contemporánea.

¿Cómo podemos definir la fotografía contemporánea?

La fotografía contemporánea es el conjunto de fotografías realizadas desde la década de 1980 hasta la actualidad.

Una fecha inicial también reconocida por el famoso museo de arte contemporáneo de París: el Centro nacional de arte y de cultura Georges-Pompidou.

Las industrias se convierten en sujeto de las fotografías. Los edificios industriales empiezan a fotografiarse como auténticas catedrales.

Así la historia de la fotografía se puede dividir actualmente en:

  • 1839 a 1920: fotografía antigua.
  • 1920 a 1980: fotografía moderna.
  • 1980 a nuestros días: fotografía contemporánea.

¿Y esto qué representa en el mundo de los artistas?

A mediados de la década de los 80, empezamos a referirnos con el término de «fotografía contemporánea» a aquellas imágenes que se acerca más a las técnicas clásicas; o a las técnicas utilizadas y enseñadas hasta la fecha.

Pero sobre todo, la fotografía adquiere en este momento el estatus de arte en su totalidad. Un gran estreno para un arte que se solía concebir como una traducción de la realidad y no como un medio de expresión.

Antes de la llegada de la fotografía digital, Bernd e Hilla Becher fueron los primeros en entender la fotografía como una forma de arte conceptual.

Conocidos por sus fotografías de edificios industriales, los alemanes equiparaban estas construcciones a las catedrales modernas de la época.

Utilizan principalmente las técnicas denominadas clásicas de la fotografía de edificios para inmortalizar estas construcciones modernas.

Las enseñanzas de estos artistas inspiraron a más de uno en Alemania y el resto del mundo. Muchos siguieron su estilo, especialmente Thomas Ruff y Andreas Gursky.

La fotografía contemporánea (con prácticas inéditas, reportajes, nuevas técnicas…) ofrece todo un cambio a los artistas. Les ofrece nuevas posibilidades:

Aparecen nuevos conceptos:

  • La distorsión.
  • El fotomontaje.
  • La polaroid.
  • Nuevos materiales.
  • El trampantojo.
  • La renovación estilística.
  • Las artes tecnológicas.

Gursky, Parr, Witkin, Tosani, Matta-Clark, Appelt, Brotherus, muchos fotógrafos empiezan a abrir y explorar distintos campos.

Desde exposiciones en China a España, la fotografía contemporánea ha conquistado al mundo entero.

Fotografía contemporánea y plástica

La fotografía contemporánea es conocida por su corriente de fotografía plástica.

De hecho, a partir de los años 80, la fotografía empezó a reconocerse como un arte en sí mismo en el mundo de las Bellas Artes.

Así dejaban de buscar imágenes para la prensa o para ilustrar vídeos y empezaban a buscar fotos «bonitas».

Se produjo así una ruptura.

Empezó a hablarse de artistas y fotógrafos. Una ruptura bien visible en palabras de Christian Boltanski, que se definía a sí mismo más como un pintor que como un fotógrafo:

«La fotografía es el fotoperiodismo; el resto, es pintura».

Entonces, distinguimos la fotografía de arte de la pura fotografía, llamada «straight photografphy».

Los medios empiezan a variar. Las fotos de arte se exponen, las otras se utilizan para ilustrar con un objetivo concreto.

Las imágenes empiezan a ser protagonistas de las galerías de arte. Las fotografías llegaron a los museos de arte.

Sin embargo, sea cual sea la forma elegida (documental, artística, etc.), la fotografía sigue siendo un medio para difundir, analizar y entender lo que nos rodea.

Existe una interpretación para cada imagen.

Se inventaron nuevos formatos que mezclaban la fotografía con el montaje personalizado. Estas creaciones suelen utilizarse como obra artística y no como soporte periodístico.

Permiten a los artistas expresar su sensibilidad mediante fotografías y distintas técnicas digitales.

Una manera de integrar la modernidad en la fotografía contemporánea consiste en hacerla actual.

He aquí una lista de artistas de fotografía plástica:

  • Virginie Boutin,
  • Christian Boltanski,
  • Sophie Calle,
  • Patrick Chauvel,
  • Alain Fleischer,
  • Peter Fischli et David Weiss,
  • Gilbert et Georges,
  • Sacha Goldberger,
  • William Klein,
  • Michel Lagarde,
  • Sandro Miller,
  • Yan Morvan,
  • Pierre y Gilles,
  • Sabine Pigalle,
  • Thomas Ruff,
  • Allan Sekula.

¿Te gustaría conocer la fotografía de paisajes?

Raymond Depardon y la fotografía subjetiva

Fotógrafo y realizador francés, Raymond Depardon es un gigante de la fotografía contemporánea.

Reconocido en todo el mundo, creó la famosa agencia fotográfica Gamma en 1966, y luego entró en la agencia Magnum en 1979.

Este gran referente de la historia de la fotografía reivindicaba en su época una forma particular de fotografía: la fotografía subjetiva.

Creó así un puente entre los códigos periodísticos de la fotografía y el cuestionamiento de sí mismo en sus obras.

La fotografía subjetiva permite al autor transcribir sus emociones y no solo hechos periodísticos.

Se trata de toda una visión del autor y del artista.

Los fotógrafos trasmiten su visión del mundo.

Con sus reportajes en Chile en 1971, en Beirut en 1978, en Glasgow en 1980, este fotógrafo buscaba inmortalizar lo que le rodea en los acontecimientos de la época.

Su perspectiva se separa de los hechos. Raymond Depardon se aleja cada vez más de la fotografía humanista.

Descubre el estilo de Depardon. Raymond Depardon desarrolla un estilo fotográfico muy particular.

Más Adelante se le conoció por haber recorrido Francia en una caravana. Volvió con un retrato del país de la época. Muchas fotografías ilustran la Francia de principios del siglo XXI.

Sigue habiendo muchas exposiciones por todo el mundo para presentar obras de fotografía subjetiva, especialmente de Raymond Depardon.

Las fotos de Depardon han aparecido también en muchos medios de comunicación para hacer un último homenaje al recientemente fallecido cantante francés Johnny Hallyday.

La fotografía contemporánea y el pictoralismo

El pictoralismo, inspirado en gran medida por el pop art, un movimiento artístico de los años 60, se impuso en el mundo de la fotografía contemporánea.

Tras la llegada de las cámaras digitales, la fotografía empieza a usar códigos publicitarios para crear grandes formatos de montaje y otros procesos.

Imitando los cuadros de pintura contemporánea que no siempre sabemos entender, el pictoralismo fotográfico exige una interpretación por parte del espectador.

Gilbert y George, dos artistas que trabajan juntos, utilizan fotomontajes y otras técnicas con el objetivo de conseguir imágenes originales.

Un fotomontaje es lun ensamblaje de fotografías mediante collage o programas informáticos que les dan un aspecto diferente, ya que incorporan una o varias partes de otra foto y le dan distintos retoques.

Más o menos de este modo es como Wikipedia describe la técnica del fotomontaje, un ejemplo de fotografía contemporánea. Para este estilo valen todas las técnicas, incluso las más alocadas.

Cualifican sus obras como «cuadros».

Este estilo se opone a la fotografía documental de las revistas.

Es un estilo que pretende acercarse a la pintura. Los fotógrafos realizan obras modificadas. Las fotos no son tal y como se toman en un primer momento, sino que el autor las modifica casi por completo a posteriori.

Así se tiende a crear un arte anti-elitista y abierto a todo el mundo.

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La fotografía contemporánea y de moda

La fotografía de moda designa un género fotográfico consagrado a la ropa y a los estilos de moda, a veces compuestos por piezas de alta costura y maniquís y están realizados por fotógrafos de moda.

Aunque la fotografía de moda existe desde inicios del siglo, esta no deja de evolucionar con el paso de los años.

En la década de los 80, la publicidad fue haciéndose un hueco en el panorama fotográfico.

Las grandes marcas usan fotografías para darse a conocer.

Las fotos de moda son muy importantes actualmente. La fotografía de moda se convierte en todo un arte.

A principios del 2000, apareció un Nuevo término: «hacedor de imágenes». Algunos artistas se reivindican como «image-makers» en lugar de como fotógrafos.

Uno de los más conocidos Helmut Newton (¿podemos decir que forma parte de la famosa historia de la fotografía?).

Este fotógrafo australiano de origen alemán ha inmortalizado a muchas estrellas internacionales (Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Mónica Bellucci).

También podemos mencionar el nombre de otros grandes referentes como:

  • Terry Richardson,
  • Richard Avedon,
  • Bruce Weber,
  • Inez & Vinoodh,
  • Steven Klein.

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